El Viaje Musical de Doja Cat: De la Furia de Scarlet al Retro-Pop de Vie

Doja Cat es una de esas artistas que constantemente experimenta con distintos géneros y conceptos, y sus últimos dos álbumes son el ejemplo perfecto. En Scarlet, su trabajo anterior, descubrimos a una Doja llena de furia que demostró con contundencia su habilidad para el rap. Sin embargo, Vie es totalmente diferente y representa un paso arriesgado en su carrera.

Vie es un álbum que evoca la nostalgia de los años 80 con claras influencias del disco, funk, R&B, synth-pop y, por supuesto, el hip-hop, entre otros géneros. Doja fue la autora de todas las canciones, y el proyecto fue concebido durante su estancia en Francia, una experiencia que claramente influyó tanto en su concepto como en el nombre del disco.

Vie se siente profundamente retro, aunque con la clara intención de ser contemporáneo, explorando temas como el amor, el romance y la intimidad. El álbum es un viaje emocional, aunque esta travesía musical puede resultar difícil de asimilar para algunos.

El sencillo principal fue "Jealous Type", una pista con un sonido marcadamente ochentero donde Doja expresa su confusión sobre el amor y las decisiones, lidiando con sus inseguridades en una relación complicada. Su impacto fue moderado, sin alcanzar la repercusión de sus singles anteriores.

Algunas de las canciones que podemos encontrar son "AAAH! MEN!", la canción más seductora y pegadiza, que habla sobre el deseo y la atracción por los hombres, reconociendo a la vez que pueden ser una fuente de problemas,"Gorgeous", un himno sobre la belleza y la confianza en uno mismo, "Stranger", una aceptación de la diferencia y la singularidad personal. "Take Me Dancing", es pura atracción física y romance desenfrenado y en "Happy" expresa la complejidad agridulce de aceptar la felicidad de otra persona, incluso cuando ha habido dolor y traición.

Vie es un disco dulce, bailable y lleno de amor. No obstante, resulta un poco extenso y la mayoría de los tracks tienen un sonido similar. En mi opinión, su principal aporte es regresar el sonido de los ochenta al 2025, sin ofrecer una innovación significativa.

Si bien no será recordado como uno de los mejores trabajos de este año, creo que Doja Cat sigue firme en su proceso de experimentar y explorar géneros, lo cual es valioso. Simplemente, Vie no parece ser el álbum que defina esta etapa de su carrera o el más memorable de su discografía.

 Holaaa. En esta publicación hablaremos sobre una de las bandas favoritas de los últimos años que, durante su corta carrera, ha tenido varios éxitos y, con su nuevo álbum, ha logrado conseguirlo de nuevo. Estamos hablando de…

Mercury-Act 1

Después de Origins del 2018, en 2021 Imagine Dragons lanzó su nuevo álbum Mercury- Act 1; que fue producido por Rick Rubin y que contiene 13 canciones. El título del álbum es una alegoría sobre los cambios constantes de las emociones, ya que pasa algo similar con el Mercurio: a veces está en estado sólido o líquido. Es un álbum con letras crudas, pero que busca ser optimista para lo que viene. La canción que da la bienvenida es My Life, en donde se narran las distintas reflexiones que han tenido durante su vida en algunos momentos, además de ser el principio del álbum, la canción termina con una nota poderosa, dando un sentimiento de empoderamiento.

Algunas canciones que podemos encontrar en el álbum son: Lonely que habla sobre la soledad en el sentido de quedarse sin nadie a través de los años y la soledad que se genera cuando se tiene a gente por conveniencia; Wrecked habla sobre la pérdida de un ser querido, el vocalista Dan Reynolds la escribió después de la pérdida de su cuñada por cáncer, la canción tiene una letra muy sentimental;  It´s OK es una canción que habla de la aceptación de sentirse amado consigo mismo y valida que a veces nos sentimos también mal; Follow You trata sobre amar sobre toda las cosas a alguien; Cutthroat habla sobre la múltiples personalidades de uno, aunque sólo sobrevivirá una de ellas; Easy Come Easy Go habla sobre las pérdidas o el alejarse de amigos con el paso de los años y ahora ver esos momentos como recuerdos.

Mercury Act- 1 es un álbum que nos hace ver todo el pasado y recordar las cosas bonitas de él. Es un álbum que nos muestra como es la vida: con altas y bajas. Así suena el álbum completo que busca esa felicidad o ese punto de tranquilidad para dejar a un lado el tormento.

 Holaa. En esta publicación hablaremos del trabajo de una de las bandas más queridas de Reino Unido y es…

Florence + the Machine decidió lanzar su nuevo álbum títulado Dance Fever, fue realizando bajo el concepto de la fiebre que puede dar por el baile, esos momentos donde no paras de bailar y no piensas en el tiempo. Es un disco poderoso con grandes matices de hecho, el disco comienza con King, que además fue single líder, una canción que remarca la fuerza y el empoderamiento de la increíble voz de Florence Welch, la canción es rock alternativo. Podemos considerar a Dance Fever como un pop experimental, también hay otros géneros como indie pop o dance-pop.

Para Florence Welch, el álbum es como “un cuento de hadas de catorce canciones”, siendo grabado en la pandemia y producido en colaboración con Jack Antonoff y Dave Bayler.

En la portada podemos ver la influencia del arte renacentista, observando algunos elementos de pintores como Sandro Botticelli, relacionándolo con frescos de figuras paganas, además de rescatar el estilo medieval o mitología. Encontramos estas referencias en su lírica, que aborda algunos pasajes medievales que, en pocas palabras, se refieren a demonios, ángeles, la vida y la muerte.

Dentro del álbum podemos encontrar My love, tercer sencillo del álbum, la canción representa la libertad en el baile cuando se está en un club nocturno. Free habla sobre el problema de ansiedad de Florence al bailar y celebrar cómo el mundo logró salir de la pandemia, pues es una liberación.  Choreomania es una canción basada en hechos históricos; y es que la coreomanía era un fenómeno en el que grandes grupos de personas bailaban con salvajismo hasta caer, colapsar o incluso morir. Hay otra referencia en Cassandra, en la mitología griega fue maldecida por Apolo en nunca creer en su palabra, esta idea tiene que ver en cómo Florence anticipó sin pensar en la pandemia en June donde dice “Hold on to each other”. La canción más emocional en todos los sentidos es Dream Evil Girl, una canción que habla sobre los estereotipos y expectativas sobre las mujeres y cómo es ser una mujer en un mundo tomado por el hombre, la canción también habla sobre cómo le gustaría ser tratada a Florence Welch: como humana en vez de un ángel o demonio.

Para varias personas Dance Fever es un álbum muy completo, un disco que fusiona la elegancia y el poder con la voz de Florence Welch. Además de estar alejado a lo que ya veíamos en anteriores trabajos, sin embargo, las expectativas de escuchar un álbum con sonidos dance o club no se percibe, debido a que no está presente esa fiebre de baile.

 Holaa. En esta publicación hablaremos del álbum tan inesperado por todos del rapero Drake…

Honestly Nevermind

El séptimo trabajo de Drake ha sido una sorpresa para todos, llegó en menos de un año del último lanzamiento Certified Lover Boy, y ha sido nombrado como un álbum de baile, trayendo nuevamente ese ritmo de hip-hop y dance del club.

El álbum tiene el ritmo usual de Drake de R&B y sonidos más bailables como house, dembow o el IDM, podemos escuchar un arreglo en la voz, un sonido electrónico. Para algunos, la composición es mediocre, careciendo de un entusiasmo, haciendo que el disco no destaque, pero podemos decir que suena refrescante y diferente a sus anteriores trabajos.

La mayoría de las pistas suenan lo-fi, por ejemplo con Sticky una canción que realza la voz del genero del rap al panorama actual, en esta canción Drake se queja de la Met Gala, por lo que no pudo traer a D-Block una queja bastante razonable. Para algunos fue una propuesta arriesgada, siendo un álbum con poco rap. La producción de Black Coffe y Carnage es buena como en Currents y Massive, canciones pertenecientes al álbum. Sus letras son una serie de relaciones que vienen y van, que hablan del sexo desde la mentalidad de un adolescente, aunque debemos recordar que, para Drake, todos estos versos son convertidos en buenos temas, a pesar de ser considerados como vaguedades o incoherencias.  Una de las mejores canciones del álbum es Massive, donde la voz de Drake se mezcla con los tempos y sintetizadores haciendo una melodía interesante, además de escuchar a Drake rapear y sonando con más ánimo. En Currents podemos escuchar un sonido de un resorte de cama, siendo un recurso que Drake mantiene de forma seria mientras dice “ You’re the missing piece I been longing for”.

El álbum vocalmente utiliza el falsete y registros más entrecortados, más ritmo, menos rap, el álbum tiende más a transmitir emociones que cantar o rapear, para algunos es un álbum que no requiere una habilidad vocal para cantar.

Honestly Nevermind es dedicado especialmente para Virigil Abloh, quien era un diseñador de múltiples guiones que estuvo en varios clubes de Chicago junto con una perspectiva que puede provenir de la inspiración de Louis Vuitton, podemos escuchar a un Drake sin adorno alcanzando notas altas que parecen susurros. Para algunos, no era extraño que el álbum fuera lanzando después del regreso de Beyoncé, tal vez sus proyectos tienen una similitud en abrazar y conectar con la música dance desde la expresión negra.

Sin duda alguna Honestly Nevermind fue un álbum arriesgado para Drake en todo, mientras que algunos lo elogian como el mejor álbum, pues escuchan a un Drake más centrado y equilibrado en su carrera; para otros el entusiasmo ha cambiado o el álbum es malo, el desgaste de crear música es notorio, pero podemos destacar la exploración de nuevos géneros por parte de Drake.

 Holaa, en esta publicación hablaremos del regreso de unos de los artistas más importantes de los últimos años, que junto con su álbum comparte el nombre y es….

HARRY’S HOUSE

Después de tres años sin lanzar nueva música, Harry Styles regreso con su nuevo álbum Harry’s House, el título del álbum hace referencia a la canción de Joni Mitchell de su álbum “The Hissing of Summer Lawns”, por lo que este disco nos sumerge en la época de los setentas con guitarras mezcladas con el disco. Harry’s House contiene 13 canciones con géneros de synth-pop y pop- rock con ciertas influencias hacia el R&B, funk y soul.

La canción que da la bienvenida al álbum es Music For a Suchi Restaurant, una canción atractiva que tiene influencias ochenteras, nos habla sobre el deseo por una relación, el título nace cuando Harey se reunió con su manager en un restaurante de sushi de Los Ángeles y nos da una “probadita” de lo que vendrá en las siguientes canciones como Late Nigt Talking o Cinema.

As it Was fue el single líder de este álbum, es un tema syth-pop y dance-pop, la canción tiene un sonido melancólico y triste, pero a la vez es alegre, la canción nos habla sobre las emociones de la soledad que ha vivido junto con cada una de las transiciones en su vida, la canción se ha convertido en una de las más importantes del año. Late Night Talking se convirtió en el segundo single con mezclas de soul, R&B y dance pop, la canción habla sobre esa etapa de enamoramiento cuando las conversaciones son largas a altas horas de la noche con esa persona que te gusta, esta canción es considerada como la mejor del álbum. 

Hablando más acerca de las canciones Daylight, es un tema con influencias pop/rock que nos habla sobre el disfrute de la vida con tu pareja. Cinema es un tema funk y pop que habla sobre el amor de Harry Style por una mujer que tal vez sea Wilde, su pareja actual. Matilda es un canción folk- rock de los años 70, expresa el deseo de que una persona se sienta mejor, la canción es devastadora, en una parte dice “ You can throw a party full of everyone you know/ And not invite you family, ‘cause they never showed you love”, fragmento bastante crudo.

En este trabajo Harry Styles, para algunos críticos, demuestra a un artista maduro acercándose a tener un estilo clásico en cuanto al álbum, es íntimo mostrando las facetas por las que el cantante ha pasado, nos abre las puertas de su casa literalmente para conocer con profundidad de Harry Styles, los sonidos llegan a ser amigables y familiares para quien lo escuche, ha llegado a tener comparaciones con grandes artistas como David Bowie o Freddie Mercury, podemos decir que el álbum es disfrutable de pies a cabeza.

 Hola, en esta publicación hablaremos sobre uno de los artistas más populares de los últimos años y su álbum…

Un Verano Sin Ti

Se ha convertido en uno de los artistas más importantes de la industria de la música, pues es el artista más escuchado en Spotify, en el 2022 lanzó su quinto álbum de estudio titulado Un Verano Sin Ti, un disco con creatividad musical y diferentes géneros como el merengue, la lambada o la bossa nova; además de contar con arreglos experimentales y sintetizadores agudos. Bad Bunny lo describe como un álbum ideal para escucharlo mientras te diriges a la playa o estar en la alberca.

El disco tiene un orden, contiene 23 temas divididos en dos partes, el Lado A pertenece a la fiesta, diversión y al bellaqueo, por supuesto. En esta primera parte domina el género del reggaetón mezclado con samples ya conocidos por el artista acompañado de colaboraciones con Rauw Alejandro, Jhay Cortez, entre otros. El lado B tiene un estilo más nostálgico llamado Sad Bunny, contiene letras sobre el desamor con colaboraciones como Bomba Stereo o The Marias Buscabulla.

El disco comienza con Moscow Mule, una canción con un sonido comercial y seductora con ritmos de reggaetón mezclado con sonidos tropicales, tiene un trap sencillo con acordes electrónicos para pasar al merengue típico de República Dominicana, después podemos escuchar Me porto bonito, una canción muy popular en Tiktok.

Como segunda canción aparece Después de la Playa, una canción tan espontánea que comienza con un sonido tranquilo para pasar a un merengue de estilo de los noventa. Tití me preguntó que desvía hacia el dembow, un subgénero frenético en la Republica Dominicana, en esta parte podemos escuchar a Bad Bunny enérgico con un reggaetón y trap haciendo presencia, por el ejemplo en Party con Rauw Alejandro tiene un inicio “kawai” combinado con reggaetón divertido y único.

Tras terminar el Lado A, el ritmo disminuye poco a poco, dando una sensación a un nuevo universo dentro del mismo álbum pasando a Sad Bunny con Ojitos Lindos, una canción con influencias house y mezcla de trompetas con un canto profundo de Bad Bunny. El cantante regresa a su era trap con Dos Mil 16, una balada trap que para sus fieles seguidores los remontará al Bad Bunny trapero. Dentro del Lado B podemos encontrar El Apagón, una canción que expresan su descontento contra los cortes de luz que ha sufrido su país en los últimos meses, la canción es house por su gran uso de sintetizadores, también Andrea tiene un mensaje muy importante con el tema del feminismo, ya que tiene una relación con el caso del feminicidio que generó mucho revuelo por la falta de acción de las autoridades.

Es así que Un Verano Sin Ti es un álbum completamente diferente a sus anteriores trabajos, pues atrae a nuevos oyentes con la mezcla de nuevos ritmos y sonidos, cada una de las canciones del álbum transmiten alegría y optimismo, trayendo una sanación para la sociedad después de la pandemia.

𝐀 𝐏𝐄𝐑𝐅𝐄𝐂𝐓 𝐂𝐎𝐍𝐓𝐑𝐀𝐃𝐈𝐂𝐓𝐈𝐎𝐍

Algunas de las canciones que podemos encontrar son 𝐂𝐚𝐧’𝐭 𝐑𝐞𝐥𝐲 𝐎𝐧 𝐘𝐨𝐮 un sonido diferente y escrita con Pharrell Williams que habla sobre terminar una relación donde las cosas son más malas que buena y tener claro que solo porque algo sea rescatable no nos podemos conformar, 𝐓𝐫𝐨𝐮𝐛𝐥𝐞 𝐖𝐢𝐭𝐡 𝐌𝐲 𝐁𝐚𝐛𝐲  es un sonido pop y soul con vibras de música de cabaret, una de las canciones más pegadizas del álbum, 𝐌𝐨𝐮𝐭𝐡 𝐓𝐨 𝐌𝐨𝐮𝐭𝐡 habla sobre la intensidad de tener una nueva relación, esa conexión físicas que es indispensable y comenzar un nuevo romance, 𝐑𝐞𝐚𝐝𝐲 𝐅𝐨𝐫 𝐓𝐡𝐞 𝐆𝐨𝐨𝐝 𝐋𝐢𝐟𝐞 habla sobre soltar los problemas de antes y la lucha por una vida plena, 𝐎𝐭𝐡𝐞𝐫 𝐖𝐨𝐦𝐚𝐧 habla sobre la traición y la infidelidad de una pareja, expresando un gran dolor y frustración, 𝐈𝐦𝐩𝐨𝐬𝐢𝐛𝐥𝐞 𝐇𝐞𝐚𝐫𝐭 habla sobre ser atraído a relaciones toxicas, repitiendo los mismos patrones sabiendo que todo va a terminar mal.

Por 𝐀 𝐏𝐞𝐫𝐟𝐞𝐜𝐭 𝐂𝐨𝐧𝐭𝐫𝐚𝐝𝐢𝐜𝐭𝐢𝐨𝐧 conocí a Paloma Faith cuando tenía 14 años, su voz y su gran interpretación de 𝐎𝐧𝐥𝐲 𝐋𝐨𝐯𝐞 𝐂𝐚𝐧 𝐇𝐮𝐫𝐭 𝐋𝐢𝐤𝐞 𝐓𝐡𝐢𝐬 en los Brit’s me atrapo y me hizo seguir tu música, esperando cada uno de sus lanzamientos con ansias. Creo que es una cantante que todavía muchos no conocen y que existe mucho más que 𝐎𝐧𝐥𝐲 𝐋𝐨𝐯𝐞 𝐂𝐚𝐧 𝐇𝐮𝐫𝐭 𝐋𝐢𝐤𝐞 𝐓𝐡𝐢𝐬, este álbum se puede disfrutar ya que personalmente no es cansado de escuchar teniendo ritmos pegadizos en algunas.

Holaaa, en esta publicación hablaremos sobre una de las cantantes más icónicas e importantes de la última década, cada uno de sus álbumes representa un concepto y una era totalmente diferente, estamos hablando de Lady Gaga y su nuevo álbum…

MAYHEM

A lo largo de los últimos años, Lady Gaga ha demostrado su versatilidad al interpretar diversos géneros y al incursionar en la actuación. Esto le ha permitido ganar un nuevo público y un mayor reconocimiento. Sin embargo, su esencia reside en el pop electrónico y oscuro, un sonido que sus fans anhelan escuchar de nuevo. MAYHEM es ese álbum que muchos Little Monsters han estado esperando, o al menos eso parece.

MAYHEM es un disco influenciado por el pop, rock, funk, disco y otros géneros. Compuesto por 14 temas producidos por Cirkut y Andrew Watt, este álbum representa un gran reto para Gaga: regresar a sus orígenes musicales y conectar con nuevas generaciones a través de un pop diferente. Como su nombre lo indica, el álbum es caótico, no se encasilla en un solo género y muestra diversas emociones simultáneamente. Gaga ha mencionado que la música industrial fue una de sus mayores inspiraciones, aunque esta influencia es quizás la menos perceptible en el álbum.

El primer sencillo oficial, Disease, es un tema oscuro y electropop que evoca canciones de Born This Way. La letra explora cómo una persona puede ser tanto el antídoto como la enfermedad de otra, o también puede interpretarse como un tema personal. Su desempeño comercial inicial fue modesto, pero ha ganado terreno en las plataformas digitales.

Abracadabra fue el segundo sencillo y sencillo promocional de la era, un tema dance-pop y house que aborda la lucha interna contra miedos y dudas. Su sonido recuerda a Bad Romance, con coros pegadizos característicos de Gaga. Esta canción tuvo una mejor recepción que la anterior, alcanzando el top 5 en varios países.

MAYHEM sorprende por su combinación de géneros y letras profundas, creando una experiencia inversiva y caótica. Este proyecto se distingue de otros álbumes de Gaga, pero evoca a grandes iconos de la música como Tina Turner, Prince, David Bowie y Michael Jackson, enriqueciendo la experiencia auditiva.

Gaga ha demostrado su versatilidad y capacidad para dominar cualquier género. Las expectativas eran altas, y creo que se han cumplido plenamente. Aunque soy fan de la artista, recomiendo escuchar el álbum; cada pista ofrece una sorpresa buena o mala.

¡Hola! En esta ocasión hablaremos de uno de los regresos más esperados y polémicos, que ha generado un gran debate, sobre todo entre los amantes de la música. Estamos hablando de Katy Perry y su nuevo álbum…

143

Después de mucho tiempo, Katy Perry regresa con un nuevo álbum. Ella es una de las cantantes más importantes de la década del 2010, logrando varios éxitos con su álbum Teenage Dream, lo que la consolidó como un ícono de la música pop. Sin embargo, después del lanzamiento de Witness, no ha logrado el mismo éxito. Su último álbum, Smile, lanzado durante la pandemia, no cumplió con las expectativas, por lo que no supimos mucho de ella hasta ahora.

Aunque 143 parezca un número simple, tiene un gran significado, ya que en los años 90 significaba "I love you", como un código. El álbum tiene influencias up-tempo, dance, electro, entre otros géneros. Para Perry, es una fiesta para bailar, tratando de reunir a sus colaboradores de Teenage Dream con la intención de repetir ese éxito. El álbum trata sobre el amor propio y la nueva faceta que adquiere al convertirse en madre.

Para algunos, el disco ha generado críticas debido a su concepto, y algunos consideran que hay una actitud desesperada por recuperar el sonido que hizo popular a Katy Perry hace unos años. Además, la cantidad de colaboraciones ha restado protagonismo a su voz. Desafortunadamente, para muchos, ha sido uno de los fracasos más grandes del año, y el regreso de Perry no cumplió con las expectativas.

Renovada y con mucha incertidumbre a su alrededor, buscando llegar nuevamente a la cima, Katy Perry lanza Woman’s World, el single oficial de 143. Como su nombre lo indica, la canción trata sobre el valor de las mujeres, con la intención de convertirse en un "himno de empoderamiento". Sin embargo, para el público, la canción resultó poco original y algo genérica, además de generar controversia por la participación de Dr. Luke, lo que causó indignación y molestia.

El segundo single, Lifetimes, es un tema enérgico sobre el amor incondicional, que tuvo una mejor recepción que el primero, con un ritmo pegajoso y bailable. No obstante, comercialmente no logró entrar en ningún ranking de éxitos.

I’m His, He’s Mine fue el tercer single, el cual pudimos escuchar en los MTV Video Music Awards, donde Katy Perry fue galardonada con el prestigioso Video Vanguard Award por su trayectoria. Otra de las canciones del álbum es GORGEOUS (feat. Kim Petras), que habla sobre el empoderamiento, los lujos y el glamour. CRUSH aborda la emoción de volver a enamorarse y sentir la atención de alguien, llevándonos a emociones juveniles. ALL THE LOVE trata sobre volver a amar, resignándose a una vida sin emociones profundas, pero encontrando la redención. NIRVANA habla de la gran felicidad y éxtasis, buscando la liberación y la paz. La última canción del álbum es WONDER, que trata sobre mirar hacia arriba, a pesar de un mundo desalentador, y aceptar el paso del tiempo.

143 es un álbum que no es para todos, pero creo que puede conectar con el público actual. Aunque pueda parecer una fórmula agotada, sigue siendo escuchado por muchos y nos recuerda ese pop de los 2010 que nos gustaba y por el cual amamos a Katy Perry. No considero que sea un fracaso, ya que hay canciones con ritmos pegajosos que muchos de nosotros queríamos escuchar desde hace tiempo (bueno, al menos yo). La verdad, recomiendo escucharlo y que saques tu propia conclusión.

 Holaa!! en esta publicación hablaremos sobre un álbum que en este año cumple una década de su lanzamiento de una de las cantantes más queridas y que tienes una voz que puede cautivar a cualquiera convirtiéndose en un icono dentro de la música, estamos hablando de Sia y su álbum…

100 Forms of Fear

2014 fue un año donde vimos de todo un poco, en este año vimos el ascenso de varios cantantes como Ariana Grande, Sam Smith, Iggy Azalea entre otro. Pero esta vez nos vamos a enfocar en una de las cantantes que cautivo y logro el éxito en un solo año, su nombre es Sia. El 4 de julio de 2014 se lanzó su sexto trabajo titulado 1000 Forms of Fear, un disco de 12 temas compuestos completamente por ella y producido por Greg Kurstin, este disco lo menciona como una batalla contra sus adicciones y el síndrome de bipolaridad que padece.

El álbum fue numero en varios países incluyendo México y esto se debió a su smash-hit y que creo que todos conocemos o hemos escuchado en algún momento, Chandelier una balada y la vez electropop donde habla sobre el abandono y la diversión que tenía cuando estaba en fiesta y tomaba, la canción fue aclamada por todos tanto por la crítica como el público, la voz es impresionante y algo que disfrutamos mucho al escucha del tema.

Durante esta era Sia no mostro para nada su cara utilizando pelucas que le tapaban la mitad de la cara, su voz era el protagonista, pero también el baile de una de sus musas más reconocidas Maddie Ziegler siendo una figura importante para esta era.

La experiencia de escuchar este álbum hay que admitirla, fue algo difícil ya que varios no conocíamos a Sia y este fue nuestro primer acercamiento, además que muchos de sus temas son baladas, llegando a ser un poco monótono pero que con el paso de los años se convierte en un gran álbum.

Algunas de las canciones que podemos encontrar son, Big Girls Cry, habla sobre esa reflexión emociona que hacemos, mostrando a esa mujer fuerte y autosuficiente aunque enfrenta una lucha emociona intensa, Burn the Pages, habla sobre olvidar el pasado y mirar hacia el futuro, dejando a un lado las memorias para no arruinar el presente y el futuro, Hostage habla sobre la complejidad que puede ser una relación siendo una bendición como una maldición, Elastic Heart habla sobre la enfermedad mental que sufrió su padre, Fire Meet Gasoline, habla sobre el amor apasionado pero dañino como si juntaras el fuego con la gasolina, Dressed In Black es la última de álbum, es una canción bastante persona hablando sobre el suicidio, la lucha contra las drogas y al muerte de su novio. Todo está dicho hasta que su amiga la llamo para no convencerla.

Ya han pasado 10 años de su lanzamiento, pero muchas personas recordamos este álbum como un clásico o el proyecto que llevo al estrellato a Sia, la verdad es un disco que tiene muchas emociones, su voz y cada de las letras son increíbles, llenas de sentimiento que llegas a un punto de ponerte nostálgico o reflexivo. Siento que es un álbum que todavía prevalece en la cultura pop y siendo un clásico dentro de la música, te invito a escucharlo y volver a recordar esa época, eso si, utilizando tu peluca para que vaya con el mood.