MONTERO

Después del 2019 con su gran éxito Old Town Road, en el 2021 Lil Nas X lanzó su tan esperado álbum debut MONTERO que tiene un sonido muy diferente con influencias al pop, rap y punk. Nos muestra un lado más erótico, surreal, lleno de colores y que aborda temas como la diversidad y la inclusión, además de crear una nueva forma de escuchar rap, también el álbum da nombre real de Lil Nas X.

El cantante supo aprovechar el uso de las redes sociales para explotar su música, acercándose cada vez más con MONTERO, saliendo de los estándares, buscando una cierta controversia y convirtiendo su trabajo en un álbum conceptual que, desde el lanzamiento de su primer single, observamos el erotismo y la sensualidad que crea en su propio paraíso. Dentro de MONTERO, Lil Nas X explica las emociones y las experiencias de ser queer, pertenecer a la comunidad negra y ser rapero. Su lanzamiento tuvo un gran marketing, pues la promoción del disco fue interesante: matar al diablo hasta besarse con uno de sus bailarines en su perfomance o estar embarazado dando a luz a MONTERO, por lo que ha causado polémica, pero eso nunca le importó. Las luchas y su autenticidad fueron algunos de los factores que podemos escuchar, ya que nos muestra quién es realmente Lil Nas X.

El primer single del álbum fue MONTERO (Call Me By Your Name), una canción bastante polémica y que a la vez fue un éxito mundial en ventas, como promoción lanzo el videoclip de la canción en la que podemos ver a Lil Nas X representando varias referencias religiosas y griegas cayendo al erotismo, juicios, la libertad sexual y su icónico baile en un tubo para descender al infierno. La canción nació del temor de Lil Nas cuando era adolescente de dejar de ser gay rezando.

En el álbum podemos encontrar INDUSTRY BABY con Jack Harlow en la que rapean sobre su fama y el éxito, algo similar pasa con DEAD RIGHT NOW donde habla sobre las numerosas falsedades que ha tenido que pagar por la fama y las luchas que ha tenido como el suicidio que los rodea. THATS WHAT I WANT es una canción que habla sobre el deseo de un amor y que a la vez es difícil de encontrar y más sí se es un hombre negro. LOST IN CITADEL habla de una relación tóxica a la que regresa a pesar del riesgo. SUN GOES DOWN es una canción de apoyo para el Nas de secundaria, es una balada triste. AM I DREAMING, en colaboración con Miley Cyrus, cuenta cómo han afectado las críticas sobre ser ellos mismos y pertenecer a la comunidad LGBTQ.

Sin duda alguna Lil Nas X nos muestra otra faceta en MONTERO, pero una faceta más autentica, en pocas palabras, más el. Un álbum liberador, cambiando a la típica estrella del rap y al mismo tiempo dar un apoyo a las personas queer al no sentirse solas escuchando MONTERO, un mundo de inclusión y orgullo.

Post Malone ha tenido álbumes de gran éxito, como beerbongs & bentleys o Hollywood’s Bleeding, y después de mucho tiempo ha lanzado su cuarto álbum: Twelve Carat Toothache que tiene influencias de trap-pop, R&B y pop con sonidos minimalistas, es considerado como su trabajo más maduro, pues nos muestra cómo la depresión no conoce de clases sociales y cómo la fama ha tenido consecuencias.

La canción que da la bienvenida al álbum es Reputation, en la cual expone los problemas que sigue padeciendo, es una canción sincera y honesta. Podemos escuchar al inicio de la canción “Take my own life just to sabe yours”; Post Malone reconoce sus errores y las cosas que ha callado por mucho tiempo, en esta canción se muestra más sobrio y maduro, pues habla de diferentes temas: el arrepentimiento, la autorreflexión, la vulnerabilidad y el sacrificio. En las demás pistas podemos escuchar cómo ha evolucionado y la guerra contra sus problemas.

Come Home The Kids Miss You

Después de su lanzamiento en el 2020 de su álbum debut Tha’ts Waht They All Say, al año siguiente regresó a la popularidad con Industry Baby con Lil Nas X, Jack Harlow y también en este año lanza su segundo disco titulado Come Home The Kids Miss You, un álbum con influencias del R&B. Su nuevo disco ha tenido muchas criticas diferentes, desde elogios como un gran álbum y hasta opiniones duras como un álbum aburrido.

El sonido y el rap de Jack suenan diferentes a comparación de su anterior disco. Su voz es agradable, tiene una postura romántica y cortante con un sonido más sutil. Concentrándonos en las letras de cada canción que pueden llegar a ser arrogantes, existe un punto donde el álbum se escucha como música elegante y pareciera que los sonidos se fusionan con el siguiente track. En el álbum podemos escuchar las fortalezas y las debilidades de Jack, y la idea de centrarse mucho en las mujeres.

El primer single del disco fue Nail Tech, una canción que tiene un sonido muy suave y que habla sobre el gran éxito que tuvo en el año 2021 con cadenas y autos, la canción no fue tan popular. El siguiente single tuvo un gran éxito comercial, pues llegó al número 1 del Billboard Hot 100 con First Class, en donde hace una mezcla de Glamorous de Fergie y en donde también habla sobre su ascenso a la fama y la popularidad.

 También en el álbum podemos encontrar a Dua Lipa, que es mensaje de admiración, y de sus rutinas de ejercicios hacia la cantante y habla también del éxito de Jack. A Like A Blade Of Glass habla sobre el amor de Jack hacia una chica, nos cuenta todo lo que le provoca y como ellos pueden estar juntos. En Side Piece habla sobre cómo ha sido Jack con las mujeres. Poison con Lil Wayne habla sobre cómo una chica puede convertirse en veneno, refiriéndose a su belleza. Una de las colaboraciones favoritas es Churchill Downs con Drake, en la que vemos a su ídolo y fan grabando y dando lo mejor de sí, la canción habla sobre su pasado y el esfuerzo que han logrado cada uno de ellos para llegar a donde están.

Para algunos críticos, Come Home The Kids Miss You es solo un paso para Jack Harlow y de demostrar qué más puede ser. Sin duda vemos su gran habilidad de rapear, pero su composición no es la mejor. Él quiere permanecer aquí, mejorando cada vez su sonido e imagen y ser el único Jack Harlow. 

Mr. Moral & The Big Steppers

Después de su último trabajo en 2017, DAMN Kendrick Lamar regreso con su quinto álbum titulado Mr. Moral & The Big Stepper, un trabajo que habla del recorrido caótico y del lado más personal de Kendrick: la familia, la amistad, las lecciones y errores que ha aprendido a través de los problemas que ha tenido, mostrándonos que es humano imperfecto como todos.

En este álbum podemos escuchar un sonido más experimental con géneros como el funky y, por supuesto, el rap. El disco se divide en dos partes y contiene colaboraciones con distintos raperos. En la primera parte del álbum escuchamos a Kendrick hablar sobre sus demonios y como algunos tienen rostro; mientras que otros lo persiguen como las sombras a través de las voces. La segunda parte es solo Kendrick viéndose al espejo pidiendo ayuda y, a la vez, abriendo un nuevo capítulo, ejemplo de ello es United In Grief, en donde nos cuenta que han pasado 1855 días desde su último trabajo, además de lidiar consigo mismo y la presión por ser un gran rapero. Algunos títulos dentro del álbum hablan de los demonios que lo rodean por ser una superestrella: United In Grief (gastos desmedidos), Father Time (traumas desde la infancia) , Silent Hill (la soledad), Savior (exposición mediática).

Para algunos críticos, Auntie Diaries es una de las canciones más importantes del álbum, pues aborda el tema de la homofobia y cuenta la experiencia de Lamar al crecer con personas trans en su entorno familiar, además hace una crítica a la sociedad y a las opiniones sobre la iglesia y la misma comunidad LGBTQ+. Una de sus canciones más íntimas es Mr. Morale, en donde habla con sus hijos y la sanación para ser un mejor padre. En Mother I Sober toca el tema del abuso y la sobreprotección. En Mr. Morale cita a R. Kelly y a Oprah Whinfrey y a sus actos de abuso.

En la primera parte del disco podemos encontrar N95, el título hace la referencia a las mascarillas N95 usadas debido a la COVID-19, para algunos esta canción hace un juicio sobre la organización de los gobiernos estadounidenses para combatir con la pandemia. Die Hard es una canción que habla sobre las luchas y su estabilidad amorosa, además de lidiar con traumas o relaciones fallidas. Father Time habla sobre los problemas de su padre trayendo a la mesa la masculinidad tóxica que ha existido durante generaciones, y sus luchas con la salud mental. En la segunda parte podemos encontrar Silent Hill que narra el éxito y las amistadas falsas que ha tenido Kendrick. Savior habla sobre la sociedad derrumbada, la canción toma diferentes temas actuales que van desde cuestiones raciales, la COVID-19 o la política. Mother I Sober habla de forma directa sobre su madre y el abuso sexual; y del temor de que Lamar sufra de una agresión, la canción también plantea otros temas como la maldición generacional y su consumo de drogas.

Mr. Moral & The Big Stepper es un álbum honesto, en el que Kendrick Lamar habla de los traumas que lo han perseguido y que debe superar junto con la familia que ha forjado. En definitiva, nos ha dado varias lecciones de vida.

B**CH

Lizzo ha atravesado algunos de los años más complicados de su carrera. Tras el lanzamiento de Special en 2022, un álbum que seguía apostando por los mensajes de aceptación, amor propio y liberación, su imagen pública cambió debido a las polémicas que la rodearon. Ahora regresa con B**CH, un disco que deja de lado el optimismo de sus trabajos anteriores para centrarse en emociones mucho más complejas: el resentimiento, la traición, la infidelidad, la decepción y el proceso de sanar después de haber tocado fondo.

No hablaremos de cada una de las controversias que marcaron esta etapa, pero sí es imposible ignorar que fueron un parteaguas tanto para la recepción como para el contenido del álbum. Desde el título, Lizzo promete mostrarse como una mujer fuerte, desafiante y decidida a recuperar su lugar. Sin embargo, conforme avanza el disco, esa imagen de seguridad se rompe para revelar a una artista mucho más vulnerable, cansada y golpeada por todo lo que ha vivido.

La encargada de abrir el álbum es A Toast, una balada en la que levanta la copa por el tiempo perdido y por todas las personas que la lastimaron, deseándoles encontrar su propio camino. Es un inicio sobrio, donde escuchamos a una Lizzo agotada, pero todavía con la voluntad de seguir adelante.

En Happy 2 Be retrata el proceso de salir de una depresión profunda. Habla de esos pequeños pasos que parecen imposibles cuando apenas intentas levantarte del sofá y reencontrarte contigo mismo. Más adelante llega B**CH, la canción que da nombre al proyecto y donde reivindica la palabra como un símbolo de independencia y autoridad femenina, desafiando los estereotipos que la sociedad continúa imponiendo sobre las mujeres.

La segunda mitad del disco profundiza en relaciones rotas y sentimientos de frustración. Little Black Cat aborda la infidelidad y la desesperación por recuperar a alguien que quizá ya no vale la pena, mientras que Too Nice reflexiona sobre el desgaste de ser demasiado complaciente con quienes te rodean. Lizzo lo ejemplifica con situaciones cotidianas, como ser siempre quien paga la cuenta o quien está para los demás sin recibir el mismo apoyo.

El cierre llega con Goodmorning!, probablemente la canción más luminosa del álbum. Después de un recorrido cargado de inseguridades, enojo y tristeza, el tema apuesta por empezar cada día con confianza, amor propio y la esperanza de que siempre existe la posibilidad de reconstruirse.

B**CH no es el gran regreso que muchos esperaban de Lizzo. Aunque el álbum deja ver a una artista más honesta y vulnerable que nunca, su discurso termina siendo irregular y, por momentos, pierde fuerza entre tantos cambios de tono. Aun así, el proyecto consigue transmitir el desgaste emocional de una mujer que intenta reconstruir su identidad después de haber vivido algunos de los momentos más difíciles de su vida. Quizá no sea un álbum tan inmediato ni tan lleno de himnos como sus trabajos anteriores, pero funciona como el retrato de una artista que, antes de volver a conquistar al público, necesitaba hablar consigo misma.

El Viaje Musical de Doja Cat: De la Furia de Scarlet al Retro-Pop de Vie

Doja Cat es una de esas artistas que constantemente experimenta con distintos géneros y conceptos, y sus últimos dos álbumes son el ejemplo perfecto. En Scarlet, su trabajo anterior, descubrimos a una Doja llena de furia que demostró con contundencia su habilidad para el rap. Sin embargo, Vie es totalmente diferente y representa un paso arriesgado en su carrera.

Vie es un álbum que evoca la nostalgia de los años 80 con claras influencias del disco, funk, R&B, synth-pop y, por supuesto, el hip-hop, entre otros géneros. Doja fue la autora de todas las canciones, y el proyecto fue concebido durante su estancia en Francia, una experiencia que claramente influyó tanto en su concepto como en el nombre del disco.

Vie se siente profundamente retro, aunque con la clara intención de ser contemporáneo, explorando temas como el amor, el romance y la intimidad. El álbum es un viaje emocional, aunque esta travesía musical puede resultar difícil de asimilar para algunos.

El sencillo principal fue "Jealous Type", una pista con un sonido marcadamente ochentero donde Doja expresa su confusión sobre el amor y las decisiones, lidiando con sus inseguridades en una relación complicada. Su impacto fue moderado, sin alcanzar la repercusión de sus singles anteriores.

Algunas de las canciones que podemos encontrar son "AAAH! MEN!", la canción más seductora y pegadiza, que habla sobre el deseo y la atracción por los hombres, reconociendo a la vez que pueden ser una fuente de problemas,"Gorgeous", un himno sobre la belleza y la confianza en uno mismo, "Stranger", una aceptación de la diferencia y la singularidad personal. "Take Me Dancing", es pura atracción física y romance desenfrenado y en "Happy" expresa la complejidad agridulce de aceptar la felicidad de otra persona, incluso cuando ha habido dolor y traición.

Vie es un disco dulce, bailable y lleno de amor. No obstante, resulta un poco extenso y la mayoría de los tracks tienen un sonido similar. En mi opinión, su principal aporte es regresar el sonido de los ochenta al 2025, sin ofrecer una innovación significativa.

Si bien no será recordado como uno de los mejores trabajos de este año, creo que Doja Cat sigue firme en su proceso de experimentar y explorar géneros, lo cual es valioso. Simplemente, Vie no parece ser el álbum que defina esta etapa de su carrera o el más memorable de su discografía.

 Holaa. En esta publicación hablaremos del álbum tan inesperado por todos del rapero Drake…

Honestly Nevermind

El séptimo trabajo de Drake ha sido una sorpresa para todos, llegó en menos de un año del último lanzamiento Certified Lover Boy, y ha sido nombrado como un álbum de baile, trayendo nuevamente ese ritmo de hip-hop y dance del club.

El álbum tiene el ritmo usual de Drake de R&B y sonidos más bailables como house, dembow o el IDM, podemos escuchar un arreglo en la voz, un sonido electrónico. Para algunos, la composición es mediocre, careciendo de un entusiasmo, haciendo que el disco no destaque, pero podemos decir que suena refrescante y diferente a sus anteriores trabajos.

La mayoría de las pistas suenan lo-fi, por ejemplo con Sticky una canción que realza la voz del genero del rap al panorama actual, en esta canción Drake se queja de la Met Gala, por lo que no pudo traer a D-Block una queja bastante razonable. Para algunos fue una propuesta arriesgada, siendo un álbum con poco rap. La producción de Black Coffe y Carnage es buena como en Currents y Massive, canciones pertenecientes al álbum. Sus letras son una serie de relaciones que vienen y van, que hablan del sexo desde la mentalidad de un adolescente, aunque debemos recordar que, para Drake, todos estos versos son convertidos en buenos temas, a pesar de ser considerados como vaguedades o incoherencias.  Una de las mejores canciones del álbum es Massive, donde la voz de Drake se mezcla con los tempos y sintetizadores haciendo una melodía interesante, además de escuchar a Drake rapear y sonando con más ánimo. En Currents podemos escuchar un sonido de un resorte de cama, siendo un recurso que Drake mantiene de forma seria mientras dice “ You’re the missing piece I been longing for”.

El álbum vocalmente utiliza el falsete y registros más entrecortados, más ritmo, menos rap, el álbum tiende más a transmitir emociones que cantar o rapear, para algunos es un álbum que no requiere una habilidad vocal para cantar.

Honestly Nevermind es dedicado especialmente para Virigil Abloh, quien era un diseñador de múltiples guiones que estuvo en varios clubes de Chicago junto con una perspectiva que puede provenir de la inspiración de Louis Vuitton, podemos escuchar a un Drake sin adorno alcanzando notas altas que parecen susurros. Para algunos, no era extraño que el álbum fuera lanzando después del regreso de Beyoncé, tal vez sus proyectos tienen una similitud en abrazar y conectar con la música dance desde la expresión negra.

Sin duda alguna Honestly Nevermind fue un álbum arriesgado para Drake en todo, mientras que algunos lo elogian como el mejor álbum, pues escuchan a un Drake más centrado y equilibrado en su carrera; para otros el entusiasmo ha cambiado o el álbum es malo, el desgaste de crear música es notorio, pero podemos destacar la exploración de nuevos géneros por parte de Drake.

  Holaa, en esta publicación hablaremos sobre uno de los raperos más exitosos en los últimos años que ha alcanzado en tan poco tiempo ser uno de los representantes del rap actual, estamos hablando de Travis Scott y su nuevo álbum…

𝐔𝐓𝐎𝐏𝐈𝐀

Despues de mucho tiempo de no saber nada de Travis Scott regresa con un nuevo álbum 𝐔𝐓𝐎𝐏𝐈𝐀 siendo un álbum transgresor y oscuro siendo un éxito en todo el mundo considerado como un masterpiece del genero. Recordemos el éxito rotundo que tuvo en el 2018 con 𝐀𝐬𝐭𝐫𝐨𝐰𝐨𝐫𝐥𝐝 convirtiéndolo en una artista influyente del género, el disco contiene 19 canciones donde el rap es el género que predomina en su mayoría, aunque el pop, R&B, electrónica están presentes, casi todo el disco son colaboraciones con grandes tales como Beyoncé, The Weeknd, Future, SZA entre otros.

Para la promoción de esta disco, se anunció una presentación especial por motivo de 𝐔𝐓𝐎𝐏𝐈𝐀 en las pirámides de Giza, tiempo despues fue cancelado por problemas de logística, aunque rumores apuntan a ser en Pompeya siguiendo el concepto del álbum.

Desde la portada podemos percibir que los sonidos serán oscuros y algo misterioso, para Travis la 𝐔𝐓𝐎𝐏𝐈𝐀 es un estado al que todos podemos llegar siendo para él, un lugar que lo ve lejano atraído por la oscuridad y que lo expresa en este disco, los temas principales son el precio de la fama, la presión de realizar algo de calidad y como puede ser un representante para algunas personas tratando de no defraudarlas. Varios de los tracks son de Kanye que nunca llegaron a concluirse por lo que se deicidio en retomarlos en este álbum.

Podemos decir que 𝐔𝐓𝐎𝐏𝐈𝐀 es un recorrido a través de la creatividad y la producción de Travis, el descubrimiento de nuevos géneros es inminente escuchando sonidos que nunca creía escuchar en él. Puede que en algún momento del álbum te llegue a cansar por la duración del disco, pero eso no quiere decir que no sea un álbum lineal, existen bajos y altos en todo momento.