ARMANDPOP

Mercury-Act 1

Después de Origins del 2018, en 2021 Imagine Dragons lanzó su nuevo álbum Mercury- Act 1; que fue producido por Rick Rubin y que contiene 13 canciones. El título del álbum es una alegoría sobre los cambios constantes de las emociones, ya que pasa algo similar con el Mercurio: a veces está en estado sólido o líquido. Es un álbum con letras crudas, pero que busca ser optimista para lo que viene. La canción que da la bienvenida es My Life, en donde se narran las distintas reflexiones que han tenido durante su vida en algunos momentos, además de ser el principio del álbum, la canción termina con una nota poderosa, dando un sentimiento de empoderamiento.

Algunas canciones que podemos encontrar en el álbum son: Lonely que habla sobre la soledad en el sentido de quedarse sin nadie a través de los años y la soledad que se genera cuando se tiene a gente por conveniencia; Wrecked habla sobre la pérdida de un ser querido, el vocalista Dan Reynolds la escribió después de la pérdida de su cuñada por cáncer, la canción tiene una letra muy sentimental;  It´s OK es una canción que habla de la aceptación de sentirse amado consigo mismo y valida que a veces nos sentimos también mal; Follow You trata sobre amar sobre toda las cosas a alguien; Cutthroat habla sobre la múltiples personalidades de uno, aunque sólo sobrevivirá una de ellas; Easy Come Easy Go habla sobre las pérdidas o el alejarse de amigos con el paso de los años y ahora ver esos momentos como recuerdos.

Mercury Act- 1 es un álbum que nos hace ver todo el pasado y recordar las cosas bonitas de él. Es un álbum que nos muestra como es la vida: con altas y bajas. Así suena el álbum completo que busca esa felicidad o ese punto de tranquilidad para dejar a un lado el tormento.

Esta es la primera parte del álbum, próximamente hablaremos de Mercury- Atc 2.

 Holaa. En esta publicación hablaremos del último trabajo de una de las bandas más queridas de Reino Unido y es…

Dance Fever

Florence + the Machine decidió lanzar su nuevo álbum títulado Dance Fever, fue realizando bajo el concepto de la fiebre que puede dar por el baile, esos momentos donde no paras de bailar y no piensas en el tiempo. Es un disco poderoso con grandes matices de hecho, el disco comienza con King, que además fue single líder, una canción que remarca la fuerza y el empoderamiento de la increíble voz de Florence Welch, la canción es rock alternativo. Podemos considerar a Dance Fever como un pop experimental, también hay otros géneros como indie pop o dance-pop.

Para Florence Welch, el álbum es como “un cuento de hadas de catorce canciones”, siendo grabado en la pandemia y producido en colaboración con Jack Antonoff y Dave Bayler.

En la portada podemos ver la influencia del arte renacentista, observando algunos elementos de pintores como Sandro Botticelli, relacionándolo con frescos de figuras paganas, además de rescatar el estilo medieval o mitología. Encontramos estas referencias en su lírica, que aborda algunos pasajes medievales que, en pocas palabras, se refieren a demonios, ángeles, la vida y la muerte.

Dentro del álbum podemos encontrar My love, tercer sencillo del álbum, la canción representa la libertad en el baile cuando se está en un club nocturno. Free habla sobre el problema de ansiedad de Florence al bailar y celebrar cómo el mundo logró salir de la pandemia, pues es una liberación.  Choreomania es una canción basada en hechos históricos; y es que la coreomanía era un fenómeno en el que grandes grupos de personas bailaban con salvajismo hasta caer, colapsar o incluso morir. Hay otra referencia en Cassandra, en la mitología griega fue maldecida por Apolo en nunca creer en su palabra, esta idea tiene que ver en cómo Florence anticipó sin pensar en la pandemia en June donde dice “Hold on to each other”. La canción más emocional en todos los sentidos es Dream Evil Girl, una canción que habla sobre los estereotipos y expectativas sobre las mujeres y cómo es ser una mujer en un mundo tomado por el hombre, la canción también habla sobre cómo le gustaría ser tratada a Florence Welch: como humana en vez de un ángel o demonio.

Para varias personas Dance Fever es un álbum muy completo, un disco que fusiona la elegancia y el poder con la voz de Florence Welch. Además de estar alejado a lo que ya veíamos en anteriores trabajos, sin embargo, las expectativas de escuchar un álbum con sonidos dance o club no se percibe, debido a que no está presente esa fiebre de baile.

CONFESSIONS II

Recordemos un poco. En 2005, Madonna regresó con Confessions on a Dance Floor, un álbum que marcó uno de los grandes renacimientos de su carrera gracias a éxitos como Hung Up. Han pasado 20 años y la Reina del Pop vuelve a invitarnos a la pista de baile con Confessions II, un disco que nos sumerge en un viaje hipnótico.

Para Madonna, Confessions II representa un espacio para dejar atrás la presión social. La pista de baile se convierte en un lugar sagrado de liberación personal y espiritual, una experiencia distinta a la de Confessions on a Dance Floor. Aunque ambos comparten la esencia de hacer bailar, esta secuela se siente más conceptual y muestra una evolución tanto en su sonido como en su narrativa. El álbum incorpora influencias del techno, disco y synth-pop, pero, a diferencia de su antecesor, apuesta por un sonido house con una marcada inspiración en la escena de los años noventa.

Para este proyecto, Madonna volvió a trabajar con Stuart Price, el arquitecto sonoro de Confessions on a Dance Floor. A ellos se suman nombres como Andrew Watt, Cirkut y Martin Garrix. El resultado es un álbum de 16 canciones que busca honrar el legado de su predecesor sin limitarse a repetir la fórmula.

En 2005, Madonna resurgió con Confessions on a Dance Floor después de la recepción dividida de American Life. Aquel disco se convirtió en un referente para varias generaciones gracias a la manera en que cada canción se enlazaba con la siguiente, creando una experiencia continua. Hoy es considerado por muchos como uno de los álbumes pop más influyentes de la década de los 2000 e incluso una de las grandes "biblias del pop".

Bring Your Love, en colaboración con Sabrina Carpenter, fue el primer sencillo de esta nueva etapa. Se trata de un tema house y dance-pop que aborda las críticas ajenas, la autenticidad y la superación de relaciones tóxicas. Aunque su desempeño comercial fue moderado, logró presentar la dirección sonora del proyecto.

El álbum abre con I Feel So Free, uno de los sencillos promocionales. La canción habla sobre la libertad y la sanación a través de la pista de baile, utilizando el movimiento como una forma de reconstruir la identidad y dar paso a una nueva versión de uno mismo.

Entre los temas más destacados se encuentra One Step Away, una canción que transmite el poder transformador de la música y el baile. Para Madonna, la pista de baile funciona como un ritual donde el cuerpo habla y permite alcanzar una conexión más profunda con uno mismo. Por otro lado, Dancenteria es un retrato de la vida nocturna del Nueva York de los años ochenta, una etapa fundamental en la formación artística de la cantante. La canción captura la energía de una noche de fiesta, dejándose llevar por el momento y disfrutando plenamente de la música.

Madonna es una leyenda del pop y uno de sus mayores logros ha sido mantenerse vigente para nuevas generaciones. Pocos artistas pueden presumir de conectar con un público joven después de más de cuatro décadas de carrera. Confessions II demuestra precisamente eso: para muchos jóvenes será su primer acercamiento a Madonna, algo que confirma la capacidad que tiene para reinventarse sin perder su esencia.

Las segundas partes no siempre superan a las originales; sin embargo, Confessions II demuestra que el paso del tiempo no ha disminuido la capacidad creativa de Madonna. Es un trabajo sólido, ambicioso y lleno de personalidad que muchos ya consideran entre sus mejores álbumes. La química con Stuart Price sigue siendo tan efectiva como hace veinte años, ofreciendo una colección de canciones que invitan a bailar de principio a fin.

Madonna regresa con fuerza y confirma, una vez más, por qué sigue siendo la Reina del Pop. Quizá ya no tenga nada que demostrar, pero con cada nuevo proyecto continúa ampliando un legado que pocos artistas podrán igualar.

B**CH

Lizzo ha atravesado algunos de los años más complicados de su carrera. Tras el lanzamiento de Special en 2022, un álbum que seguía apostando por los mensajes de aceptación, amor propio y liberación, su imagen pública cambió debido a las polémicas que la rodearon. Ahora regresa con B**CH, un disco que deja de lado el optimismo de sus trabajos anteriores para centrarse en emociones mucho más complejas: el resentimiento, la traición, la infidelidad, la decepción y el proceso de sanar después de haber tocado fondo.

No hablaremos de cada una de las controversias que marcaron esta etapa, pero sí es imposible ignorar que fueron un parteaguas tanto para la recepción como para el contenido del álbum. Desde el título, Lizzo promete mostrarse como una mujer fuerte, desafiante y decidida a recuperar su lugar. Sin embargo, conforme avanza el disco, esa imagen de seguridad se rompe para revelar a una artista mucho más vulnerable, cansada y golpeada por todo lo que ha vivido.

La encargada de abrir el álbum es A Toast, una balada en la que levanta la copa por el tiempo perdido y por todas las personas que la lastimaron, deseándoles encontrar su propio camino. Es un inicio sobrio, donde escuchamos a una Lizzo agotada, pero todavía con la voluntad de seguir adelante.

En Happy 2 Be retrata el proceso de salir de una depresión profunda. Habla de esos pequeños pasos que parecen imposibles cuando apenas intentas levantarte del sofá y reencontrarte contigo mismo. Más adelante llega B**CH, la canción que da nombre al proyecto y donde reivindica la palabra como un símbolo de independencia y autoridad femenina, desafiando los estereotipos que la sociedad continúa imponiendo sobre las mujeres.

La segunda mitad del disco profundiza en relaciones rotas y sentimientos de frustración. Little Black Cat aborda la infidelidad y la desesperación por recuperar a alguien que quizá ya no vale la pena, mientras que Too Nice reflexiona sobre el desgaste de ser demasiado complaciente con quienes te rodean. Lizzo lo ejemplifica con situaciones cotidianas, como ser siempre quien paga la cuenta o quien está para los demás sin recibir el mismo apoyo.

El cierre llega con Goodmorning!, probablemente la canción más luminosa del álbum. Después de un recorrido cargado de inseguridades, enojo y tristeza, el tema apuesta por empezar cada día con confianza, amor propio y la esperanza de que siempre existe la posibilidad de reconstruirse.

B**CH no es el gran regreso que muchos esperaban de Lizzo. Aunque el álbum deja ver a una artista más honesta y vulnerable que nunca, su discurso termina siendo irregular y, por momentos, pierde fuerza entre tantos cambios de tono. Aun así, el proyecto consigue transmitir el desgaste emocional de una mujer que intenta reconstruir su identidad después de haber vivido algunos de los momentos más difíciles de su vida. Quizá no sea un álbum tan inmediato ni tan lleno de himnos como sus trabajos anteriores, pero funciona como el retrato de una artista que, antes de volver a conquistar al público, necesitaba hablar consigo misma.

El Viaje Musical de Doja Cat: De la Furia de Scarlet al Retro-Pop de Vie

Doja Cat es una de esas artistas que constantemente experimenta con distintos géneros y conceptos, y sus últimos dos álbumes son el ejemplo perfecto. En Scarlet, su trabajo anterior, descubrimos a una Doja llena de furia que demostró con contundencia su habilidad para el rap. Sin embargo, Vie es totalmente diferente y representa un paso arriesgado en su carrera.

Vie es un álbum que evoca la nostalgia de los años 80 con claras influencias del disco, funk, R&B, synth-pop y, por supuesto, el hip-hop, entre otros géneros. Doja fue la autora de todas las canciones, y el proyecto fue concebido durante su estancia en Francia, una experiencia que claramente influyó tanto en su concepto como en el nombre del disco.

Vie se siente profundamente retro, aunque con la clara intención de ser contemporáneo, explorando temas como el amor, el romance y la intimidad. El álbum es un viaje emocional, aunque esta travesía musical puede resultar difícil de asimilar para algunos.

El sencillo principal fue "Jealous Type", una pista con un sonido marcadamente ochentero donde Doja expresa su confusión sobre el amor y las decisiones, lidiando con sus inseguridades en una relación complicada. Su impacto fue moderado, sin alcanzar la repercusión de sus singles anteriores.

Algunas de las canciones que podemos encontrar son "AAAH! MEN!", la canción más seductora y pegadiza, que habla sobre el deseo y la atracción por los hombres, reconociendo a la vez que pueden ser una fuente de problemas,"Gorgeous", un himno sobre la belleza y la confianza en uno mismo, "Stranger", una aceptación de la diferencia y la singularidad personal. "Take Me Dancing", es pura atracción física y romance desenfrenado y en "Happy" expresa la complejidad agridulce de aceptar la felicidad de otra persona, incluso cuando ha habido dolor y traición.

Vie es un disco dulce, bailable y lleno de amor. No obstante, resulta un poco extenso y la mayoría de los tracks tienen un sonido similar. En mi opinión, su principal aporte es regresar el sonido de los ochenta al 2025, sin ofrecer una innovación significativa.

Si bien no será recordado como uno de los mejores trabajos de este año, creo que Doja Cat sigue firme en su proceso de experimentar y explorar géneros, lo cual es valioso. Simplemente, Vie no parece ser el álbum que defina esta etapa de su carrera o el más memorable de su discografía.

 Holaaa. En esta publicación hablaremos sobre una de las bandas favoritas de los últimos años que, durante su corta carrera, ha tenido varios éxitos y, con su nuevo álbum, ha logrado conseguirlo de nuevo. Estamos hablando de…

Mercury-Act 1

Después de Origins del 2018, en 2021 Imagine Dragons lanzó su nuevo álbum Mercury- Act 1; que fue producido por Rick Rubin y que contiene 13 canciones. El título del álbum es una alegoría sobre los cambios constantes de las emociones, ya que pasa algo similar con el Mercurio: a veces está en estado sólido o líquido. Es un álbum con letras crudas, pero que busca ser optimista para lo que viene. La canción que da la bienvenida es My Life, en donde se narran las distintas reflexiones que han tenido durante su vida en algunos momentos, además de ser el principio del álbum, la canción termina con una nota poderosa, dando un sentimiento de empoderamiento.

Algunas canciones que podemos encontrar en el álbum son: Lonely que habla sobre la soledad en el sentido de quedarse sin nadie a través de los años y la soledad que se genera cuando se tiene a gente por conveniencia; Wrecked habla sobre la pérdida de un ser querido, el vocalista Dan Reynolds la escribió después de la pérdida de su cuñada por cáncer, la canción tiene una letra muy sentimental;  It´s OK es una canción que habla de la aceptación de sentirse amado consigo mismo y valida que a veces nos sentimos también mal; Follow You trata sobre amar sobre toda las cosas a alguien; Cutthroat habla sobre la múltiples personalidades de uno, aunque sólo sobrevivirá una de ellas; Easy Come Easy Go habla sobre las pérdidas o el alejarse de amigos con el paso de los años y ahora ver esos momentos como recuerdos.

Mercury Act- 1 es un álbum que nos hace ver todo el pasado y recordar las cosas bonitas de él. Es un álbum que nos muestra como es la vida: con altas y bajas. Así suena el álbum completo que busca esa felicidad o ese punto de tranquilidad para dejar a un lado el tormento.

 Holaa. En esta publicación hablaremos del trabajo de una de las bandas más queridas de Reino Unido y es…

Florence + the Machine decidió lanzar su nuevo álbum títulado Dance Fever, fue realizando bajo el concepto de la fiebre que puede dar por el baile, esos momentos donde no paras de bailar y no piensas en el tiempo. Es un disco poderoso con grandes matices de hecho, el disco comienza con King, que además fue single líder, una canción que remarca la fuerza y el empoderamiento de la increíble voz de Florence Welch, la canción es rock alternativo. Podemos considerar a Dance Fever como un pop experimental, también hay otros géneros como indie pop o dance-pop.

Para Florence Welch, el álbum es como “un cuento de hadas de catorce canciones”, siendo grabado en la pandemia y producido en colaboración con Jack Antonoff y Dave Bayler.

En la portada podemos ver la influencia del arte renacentista, observando algunos elementos de pintores como Sandro Botticelli, relacionándolo con frescos de figuras paganas, además de rescatar el estilo medieval o mitología. Encontramos estas referencias en su lírica, que aborda algunos pasajes medievales que, en pocas palabras, se refieren a demonios, ángeles, la vida y la muerte.

Dentro del álbum podemos encontrar My love, tercer sencillo del álbum, la canción representa la libertad en el baile cuando se está en un club nocturno. Free habla sobre el problema de ansiedad de Florence al bailar y celebrar cómo el mundo logró salir de la pandemia, pues es una liberación.  Choreomania es una canción basada en hechos históricos; y es que la coreomanía era un fenómeno en el que grandes grupos de personas bailaban con salvajismo hasta caer, colapsar o incluso morir. Hay otra referencia en Cassandra, en la mitología griega fue maldecida por Apolo en nunca creer en su palabra, esta idea tiene que ver en cómo Florence anticipó sin pensar en la pandemia en June donde dice “Hold on to each other”. La canción más emocional en todos los sentidos es Dream Evil Girl, una canción que habla sobre los estereotipos y expectativas sobre las mujeres y cómo es ser una mujer en un mundo tomado por el hombre, la canción también habla sobre cómo le gustaría ser tratada a Florence Welch: como humana en vez de un ángel o demonio.

Para varias personas Dance Fever es un álbum muy completo, un disco que fusiona la elegancia y el poder con la voz de Florence Welch. Además de estar alejado a lo que ya veíamos en anteriores trabajos, sin embargo, las expectativas de escuchar un álbum con sonidos dance o club no se percibe, debido a que no está presente esa fiebre de baile.

 Holaa. En esta publicación hablaremos del álbum tan inesperado por todos del rapero Drake…

Honestly Nevermind

El séptimo trabajo de Drake ha sido una sorpresa para todos, llegó en menos de un año del último lanzamiento Certified Lover Boy, y ha sido nombrado como un álbum de baile, trayendo nuevamente ese ritmo de hip-hop y dance del club.

El álbum tiene el ritmo usual de Drake de R&B y sonidos más bailables como house, dembow o el IDM, podemos escuchar un arreglo en la voz, un sonido electrónico. Para algunos, la composición es mediocre, careciendo de un entusiasmo, haciendo que el disco no destaque, pero podemos decir que suena refrescante y diferente a sus anteriores trabajos.

La mayoría de las pistas suenan lo-fi, por ejemplo con Sticky una canción que realza la voz del genero del rap al panorama actual, en esta canción Drake se queja de la Met Gala, por lo que no pudo traer a D-Block una queja bastante razonable. Para algunos fue una propuesta arriesgada, siendo un álbum con poco rap. La producción de Black Coffe y Carnage es buena como en Currents y Massive, canciones pertenecientes al álbum. Sus letras son una serie de relaciones que vienen y van, que hablan del sexo desde la mentalidad de un adolescente, aunque debemos recordar que, para Drake, todos estos versos son convertidos en buenos temas, a pesar de ser considerados como vaguedades o incoherencias.  Una de las mejores canciones del álbum es Massive, donde la voz de Drake se mezcla con los tempos y sintetizadores haciendo una melodía interesante, además de escuchar a Drake rapear y sonando con más ánimo. En Currents podemos escuchar un sonido de un resorte de cama, siendo un recurso que Drake mantiene de forma seria mientras dice “ You’re the missing piece I been longing for”.

El álbum vocalmente utiliza el falsete y registros más entrecortados, más ritmo, menos rap, el álbum tiende más a transmitir emociones que cantar o rapear, para algunos es un álbum que no requiere una habilidad vocal para cantar.

Honestly Nevermind es dedicado especialmente para Virigil Abloh, quien era un diseñador de múltiples guiones que estuvo en varios clubes de Chicago junto con una perspectiva que puede provenir de la inspiración de Louis Vuitton, podemos escuchar a un Drake sin adorno alcanzando notas altas que parecen susurros. Para algunos, no era extraño que el álbum fuera lanzando después del regreso de Beyoncé, tal vez sus proyectos tienen una similitud en abrazar y conectar con la música dance desde la expresión negra.

Sin duda alguna Honestly Nevermind fue un álbum arriesgado para Drake en todo, mientras que algunos lo elogian como el mejor álbum, pues escuchan a un Drake más centrado y equilibrado en su carrera; para otros el entusiasmo ha cambiado o el álbum es malo, el desgaste de crear música es notorio, pero podemos destacar la exploración de nuevos géneros por parte de Drake.

 Holaa, en esta publicación hablaremos del regreso de unos de los artistas más importantes de los últimos años, que junto con su álbum comparte el nombre y es….

HARRY’S HOUSE

Después de tres años sin lanzar nueva música, Harry Styles regreso con su nuevo álbum Harry’s House, el título del álbum hace referencia a la canción de Joni Mitchell de su álbum “The Hissing of Summer Lawns”, por lo que este disco nos sumerge en la época de los setentas con guitarras mezcladas con el disco. Harry’s House contiene 13 canciones con géneros de synth-pop y pop- rock con ciertas influencias hacia el R&B, funk y soul.

La canción que da la bienvenida al álbum es Music For a Suchi Restaurant, una canción atractiva que tiene influencias ochenteras, nos habla sobre el deseo por una relación, el título nace cuando Harey se reunió con su manager en un restaurante de sushi de Los Ángeles y nos da una “probadita” de lo que vendrá en las siguientes canciones como Late Nigt Talking o Cinema.

As it Was fue el single líder de este álbum, es un tema syth-pop y dance-pop, la canción tiene un sonido melancólico y triste, pero a la vez es alegre, la canción nos habla sobre las emociones de la soledad que ha vivido junto con cada una de las transiciones en su vida, la canción se ha convertido en una de las más importantes del año. Late Night Talking se convirtió en el segundo single con mezclas de soul, R&B y dance pop, la canción habla sobre esa etapa de enamoramiento cuando las conversaciones son largas a altas horas de la noche con esa persona que te gusta, esta canción es considerada como la mejor del álbum. 

Hablando más acerca de las canciones Daylight, es un tema con influencias pop/rock que nos habla sobre el disfrute de la vida con tu pareja. Cinema es un tema funk y pop que habla sobre el amor de Harry Style por una mujer que tal vez sea Wilde, su pareja actual. Matilda es un canción folk- rock de los años 70, expresa el deseo de que una persona se sienta mejor, la canción es devastadora, en una parte dice “ You can throw a party full of everyone you know/ And not invite you family, ‘cause they never showed you love”, fragmento bastante crudo.

En este trabajo Harry Styles, para algunos críticos, demuestra a un artista maduro acercándose a tener un estilo clásico en cuanto al álbum, es íntimo mostrando las facetas por las que el cantante ha pasado, nos abre las puertas de su casa literalmente para conocer con profundidad de Harry Styles, los sonidos llegan a ser amigables y familiares para quien lo escuche, ha llegado a tener comparaciones con grandes artistas como David Bowie o Freddie Mercury, podemos decir que el álbum es disfrutable de pies a cabeza.

 Hola, en esta publicación hablaremos sobre uno de los artistas más populares de los últimos años y su álbum…

Un Verano Sin Ti

Se ha convertido en uno de los artistas más importantes de la industria de la música, pues es el artista más escuchado en Spotify, en el 2022 lanzó su quinto álbum de estudio titulado Un Verano Sin Ti, un disco con creatividad musical y diferentes géneros como el merengue, la lambada o la bossa nova; además de contar con arreglos experimentales y sintetizadores agudos. Bad Bunny lo describe como un álbum ideal para escucharlo mientras te diriges a la playa o estar en la alberca.

El disco tiene un orden, contiene 23 temas divididos en dos partes, el Lado A pertenece a la fiesta, diversión y al bellaqueo, por supuesto. En esta primera parte domina el género del reggaetón mezclado con samples ya conocidos por el artista acompañado de colaboraciones con Rauw Alejandro, Jhay Cortez, entre otros. El lado B tiene un estilo más nostálgico llamado Sad Bunny, contiene letras sobre el desamor con colaboraciones como Bomba Stereo o The Marias Buscabulla.

El disco comienza con Moscow Mule, una canción con un sonido comercial y seductora con ritmos de reggaetón mezclado con sonidos tropicales, tiene un trap sencillo con acordes electrónicos para pasar al merengue típico de República Dominicana, después podemos escuchar Me porto bonito, una canción muy popular en Tiktok.

Como segunda canción aparece Después de la Playa, una canción tan espontánea que comienza con un sonido tranquilo para pasar a un merengue de estilo de los noventa. Tití me preguntó que desvía hacia el dembow, un subgénero frenético en la Republica Dominicana, en esta parte podemos escuchar a Bad Bunny enérgico con un reggaetón y trap haciendo presencia, por el ejemplo en Party con Rauw Alejandro tiene un inicio “kawai” combinado con reggaetón divertido y único.

Tras terminar el Lado A, el ritmo disminuye poco a poco, dando una sensación a un nuevo universo dentro del mismo álbum pasando a Sad Bunny con Ojitos Lindos, una canción con influencias house y mezcla de trompetas con un canto profundo de Bad Bunny. El cantante regresa a su era trap con Dos Mil 16, una balada trap que para sus fieles seguidores los remontará al Bad Bunny trapero. Dentro del Lado B podemos encontrar El Apagón, una canción que expresan su descontento contra los cortes de luz que ha sufrido su país en los últimos meses, la canción es house por su gran uso de sintetizadores, también Andrea tiene un mensaje muy importante con el tema del feminismo, ya que tiene una relación con el caso del feminicidio que generó mucho revuelo por la falta de acción de las autoridades.

Es así que Un Verano Sin Ti es un álbum completamente diferente a sus anteriores trabajos, pues atrae a nuevos oyentes con la mezcla de nuevos ritmos y sonidos, cada una de las canciones del álbum transmiten alegría y optimismo, trayendo una sanación para la sociedad después de la pandemia.